Please tell us more about your journey and the beginning and how you exposed yourself to modern and contemporary dance.

It may be better to express it as "a series of meeting great people" rather than a transition 

from tradition to modernity. 

My journey in dance started in 1983 when I went to SMPN 2 Manisrenggo, Central Java. In this school, dance is an intraschool subject (mandatory subject). From there, I met a dance teacher named JR. Sukarno for the first time. Sukarno, from him, I learned classical dance and contemporary dance. I didn't like dance at first, but I had to follow it because it was mandatory. 

One time, I had to represent the school in a dance competition; it was strange and scary. But my teacher chose my friend and me as school representatives. 

The dance work we brought was the Bagong Kussudiardja dance (1), which was already well known among students. Our surprise was that we won 2nd place. It was our first experience of winning at a dance competition. It raised questions about winning the race, more because there were a lot of thoughts and questions that followed; beyond the joy of victory. From that victory comes to the fundamental question of whether this is God's way of my life. Then, from that and my love for dance, there was a wide open passage leading me to the world of dance. 

Google Indonesia is celebrating Bagong Kussudiardja’s 89th birthday by posting a doodle illustrating the legendary artist with paintbrush in hand as well as costumed dancers. This article was published in thejakartapost.com with the title "Google Doodle celebrates Bagong Kussudiardja’s 89th anniversary

From then on, I started to be interested in learning dance at the dance teacher's place. However, my desire to pursue the world of dance got rejected by my father for the following reasons. First, a man who seeks dancing would disgrace the family name. A man's nature is to be masculine; dancing will make them look like a clown. Second, as the first boy, my father wished I would be the backbone of the family. My father wanted to get me into STM (Medium Technical High School), so I could start working right after graduation. The third reason, it’s a too feminine thing for a man to dance. Therefore, my father worried about me being feminine if I was in the world of dance.

From what my father believed, I fought for what I believed in; learning dance secretly. But that didn't stop me from practicing dance. As I struggled, I expressed my thoughts to my mother, and with that approach, I came to the point of realization. If I go to STM, my father will pay for all the school expenses. On the other hand, if I choose to go to the dance school (SMKI Jogja), I would have to finance my own as a consequence. However, that did not concern me. After junior high school, I attended SMKI Jogja and worked part time.  At that time, I was working at a brother's place, pedaling a bicycle from Jogja to Klaten for 38 km every Saturday afternoon. Cleaning pigs by drawing water with dozens of buckets from an old well was what I've been doing for about two years. Because in the second year of my dance, I was able to get a job that could support school expenses. 

In 1989, I entered my third year at SMKI. At the Paguyuban Seni Suryo Kencono, a classical dance studio in Jogjakarta, I met a classical dance teacher named RM. Ywandono Suryobronto (son of GBPH Suryobronto) experienced many things about Yogyakarta style classical dance, especially in the philosophical dance of "Kawruh Joget Mataram." 

 I started a performance at Kraton Yogyakarta, and until then, I was still working part-time. At the end of 1989, I started studying with a dance maestro, Bagong Kussudiardja, both at the Dance Training Center and at the Padepokan Seni Bagong Kussudiardja. I learned contemporary dance more deeply from various events with him. Also, the various programs all together enriched my knowledge of the dance creation of Nusantara by improving the choreography skills and experiences of festivals throughout Indonesia. Two major festivals in Indonesia were the IDF (International Dance Festival) and the Art Summit in early 1990. In 1996, Bersama Bagong Kusudiarjo danced abroad in the United States, for the first time.

In 2000, I met Martinus Miroto (2) , an artist and lecturer at ISI Yogyakarta, a UCLA graduate. 

Miroto was also a great dancer who studied with Pina Bausch. With his experiences and dance knowledge, I learned a lot about contemporary dance. He also helped me establish a Dance Company, the Banjarmili Dance Studio. As a dancer: I worked as an assistant to Maestro Miroto and as his Art Director. 

Maestro Miroto later created a festival that lasts until now, the "Bedog Arts festival." 

(Bedog Arts Festival is an international site-specific performing arts festival in Bedog riverside.)

From that, my journey in the world of dance can be seen. Two maestros who greatly influenced my career in dance were Bagong Kusudiarjo and Martinus Miroto. Both have their differences and similarities. They are different because each of them is from two different generations. 

However, they are the same because both have the uniqueness of Yogyakarta-style classical dance. As I experienced roughly, there were similarities in many dancers in Yogjakarta who were learning modern/contemporary dance.

It may be unreasonable to distinguish between tradition and modernity, especially in the dance school founded by Ario Tedjokuseumo, a legendary Indonesian traditional dance figure. Paradoxically, the school built by Ario outside the palace to inherit and present traditions have served as an opportunity for Indonesia's modern dance to begin. Bagong Kussudiardjo, who studied there, is a case in point, as Claire Holt found the Cornell Modern Indonesia Collection. In the late 1950s, Bagong studied contemporary dance with Martha Graham, a modern dancer. Later, he returned to Indonesia to establish a Bagong Kussudijardjo Dance Training center which became an art center in the late 1970s. Please explore the historical background in more detail. Of course, it would have significantly impacted a generation like you.

There needs to be more literature that I know about the history of dance in Yogyakarta, like the process I've been through since my introduction to dance in the 1980-1990 era. 

I prefer to experience with the teacher directly. Whether in the rehearsal process in the studio or as the teachers tell me the history of dance. I had formally studied dance at ISI Yogyakarta but still needed to graduate or finish. I am more interested in learning directly from a teacher than in studying formal education.

Looking at the history of dance that I know: 

in 1918, Aryo Tejokusumo (GPH. Tejokusumo) founded Krido Bekso Wiromo with Prince Suryadiningrat. A classical dance group was the first one to be outside of the walls of the Kraton  Ngayogyakarta Hadiningrat (The Royal Palace of Yogyakarta). For me, it was a revolutionary thought. He brought a major change to dance education at that time, which was initially only available in the inner circle of the Kraton. People outside of the Kraton only then had access to classical dance lessons.

So in its development, it brought up new patterns and expressions which were different and new thoughts in the dance world; an example of the context is Bagong Kussudiardja’s wandering in performing Mask dance. Bagong Kussudiardja studied in the United States with Martha Graham on modern dance. From that point on, modern/contemporary dance grew rapidly, especially in Yogyakarta.

The overall development took place during the dance revolution in Indonesia, evidently after the return of Bangong Kussudiardja from America and the establishment of the Dance Training Center. A total of 27 provinces sent their representatives to be influential in contemporary dance throughout Indonesia. This was very significant in developing modern dance in Indonesia. This modern dance showed a strong character for the local wealth elements of each region in Indonesia.

You have also been an actor, and as a dancer and choreographer, I know that you have experience co-creating with various media. I wonder what such experiences meant to you.

I gained experience from some of the art forms I had taught. Dance art, Wayang wong, kethoprak, Wayang leather, and Langen Mondro Wanoro. 

It includes acting, dancing, etc. I’m very fond of learning new things, especially dance-related ones. 

These experiences to the body and memory are done in a long process. In addition, my love for traditional and classical art encouraged me to move on to these various arts. The overall processes that I went through eventually shaped and guided me to be able to do those things, and thank God I was able to do that. Being an actor, dancer, choreographer, and then some kind of character influenced my work.

Theater Company NOTTLE talked about the conceptual aspects and new approaches to the body, which "doesn't exist in Korea" but in the Indonesian dance language. Where do these differences come from if you agree with the comment?

Talking about my experience, as what happened in my village and community. Art is a part of life. The concept of cultural art in Indonesia probably has a different concept of life. That concept brought about a different kind of growth from others. There are many countries with advanced developments. In Indonesia, especially Yogyakarta, modern culture is very developed, and traditional culture remains as a character of today's culture at the same time. so the growth process will also be different from others.

Modern body in a traditional frame, or traditional body in a modern sense. Or a contemporary traditional body in a traditional sense a vice versa a traditional body in a contemporary form. 

That could explain my growth.

When I saw the performance coproduced with NOTTLE in Korea this time, using text projections limited what the performance wanted to deal with. It takes work to harmonize the language of theatricality and modern dance on the stage. Please explore the production process and experience of this work in detail.

There were three stages in the process I worked with Theater Company NOTTLE. 

First, I made the choreography which I taught online via zoom. 

It started by choreographing with my dancers in Yogyakarta, exploring the Yogyakarta-style classical dance body, which I then workshopped online to NOTTLE actors. 

The final presentation was at the Hooyong Performing Art Centre. Korean actors performed exactly the way I did the choreography in Indonesia. Our Indonesian dancers took a video that projected to a background which became a collaborative work of video and live performances.

Second, we did the offline process at Agung Dancing Centre Indonesia, intensively training and sharing ideas. Won also explored with dancers and actors for two weeks. Starting from the UNA (senior actor NOTTLE) workshop and the Tubus workshop. I continued to discuss the specifics of the body and the shell. We also did a final presentation by inviting some local artists and discussing it after the presentation.

Third, the process we did at Hoo Yong, is a continuous process of the previous process. From the discussions, we used text to understand each actor and dancer; understanding what body is being expressed more specifically on the body's memory. This was crucial in this process as a means of communication to understand the expressions and processes of what we do. When the text is projected onto the show, it may take symbolic/poetic words and language to avoid interference between visualization and text. Text and movement are interesting ideas for future growth.

Please give me a detailed explanation of the art center you established.

It was established in 2021 in Manisrenggo, Central Java Indonesia. 

The Agung Dancing Centre (ADC) is the home of movement, interaction, and expression. ADC is based on an independent organization. The activity we have done is to help dance companies throughout Klaten Regency to move together. The program "SRAWUNG SANGAR" is a program that presents 18 dance performers in Klaten Regency to move together or train together somewhere. 

They come to gather and practice together, and the location always differs. This program is followed by more than 100 people from various ranges, from a child to an adult, from a coach to a student's parents.

The program has been held six times since June 2022. The purpose is to train children to be more courageous in moving, and interacting between studios, and to encourage creativity and new ideas. Through that, they also learned to organize art activities. The Great Dancing Center is home for me to express and a place to learn once again why I always fall in love with dance.

You said that even during COVID19, which is impossible to move, you had conducted international networkbased exchanges online or in variable ways. Please tell me more about this in detail.

When the pandemic occurred in early 2020, it was the same as in all other countries. I've been performing online since 2012. I had a project with an Australian artist called "Gerobak Padi" at the Melbourne Festival. The show was to be done online. Our installations and performances in Melbourne can be enjoyed online in Yogyakarta using tablets and projectors. 

That form of performance we call "performance link."

The format of the show we did continued in different places and for years. That experience underpins my ideas in my online work with Germany in 2020. It was done weekly for one month, which I call zoom theater. 15 minutes of solo performance and 45 minutes of sharing talk about the show with a minimal audience. In addition, I also held festivals online and participated in online festivals in several countries. Apart from festivals, workshops and seminars were done online during the pandemic as well.

AGUNG GUNAWAN (founder and director Agung Dancing Center), Agung's born in 1971 in Klaten, Central Java, Indonesia.  Agung Gunawan is a renowned and established dancer, an artistic director, a choreographer and a vocalist. 

Since he decided to live as an independent artists in 2005, he has been questioning and investigating the everchanging boundaries and universal hallmarks of traditional, classical and contemporary Javanese arts and culture.  

He is also seeking new forms of artistic expression engendered from ancient, indigenous Javanese wisdom and knowledge commonly used in the daily life in the village. He was professionally trained and mentored for years by the legendary guru Bagong Kusudiharjo, R.M. Ywandjono,  R. Aj Sri Kadarjati and M. Miroto in Yogyakarta, Indonesia. Currently, he moved back in the village Manisrenggo in Klaten City, Central Java, as a director of Agung Dancing Center and a dancer also choreographer while continuosly touring numerous countries for performances and projetcs.

Agung Dancing Center  (ADC) 

It is a new art home for Agung Gunawan as a founder's, ADC in history is the real home where Agung was born.  From a small village located between the Prambanan temples and south of  Mount Merapi, he began to learn about dance and art in 1983.  On March 30, 2021, when Agung was 50 years old, he decided to establish Agung Dancing Center  ( ADC)  as a new expression platform space to interpret and reflected from Agung's artistic life journey.

Vision and Mission

1. ADC is spirit of art to continues to act even in difficult times.

2. ADC is a home for artistic expression, as a practice space, 

3. ADC is Agung's Manifest - 'Art is Life, Life is Art

Two pillars are the instrument to understand and practice the Agung's manifest: 'Art is Life & Life is Art. These will be a backbone of the practice at and throughout the dance work. This home center, therefore, wishes to offer an opportunity to feel and sense the meaning of art and life and its balance.

(1) Bagong Kussudiardja/BK (1928-2004) was an influential artist whose outstanding artistic achievements are considered an important cultural milestone in the post-colonial history of modern Indonesia. Not many artists have a multi-faceted creative life history such as BK.  He was an artist of strong character, unique, open-minded, and knew where to place himself (deliberately or not) within the spirit between the rebelling and collaborating. BK had an abundant of energy that burst at any moment in various forms: sketches, paintings, three-dimensional works, and numerous dance compositions. Throughout his 76 years, BK dedicated more than half of his life to the arts world. Not only did he bestow artifacts of his art works, studios, notes, essays, poems, various notable choreographies; but he also endowed his spirit for investigation, idea-making, and creation.

“Bagong’s role in stimulating the dynamics of the Indonesian arts world was an invaluable contribution that cannot be denied. This was especially evident in the field of batik painting, where he -through various experiments – was one of the pioneers. Furthermore, another matter that was equally important was his role and ability to bring visual arts (painting) issues to society through exhibition practice. Hence, allowing the marginalized art world to become more appreciated by society.” (Fadjar Sidik; painter, Lecturer of the Painting Department, former Department Head, and Assistant Chancellor III of the Indonesian Arts Institute Yogyakarta)

(2) Martinus Miroto, (born: 23 Feb. 1959) has been creating more than 40 contemporary works 

and performed in various European countries, Asia, USA, Australia. 

He is a dancer, actor, choreographer, and dance instructor at the Indonesian Institute of Arts (ISI Jogjakarta). Founder: Miroto Dance Company in 1986, The Miroto Dance Foundation in 1998, Banjarmili Dance studio in 2001. Began to learned traditional dance when he was 5 years at his village, Turusan. Received formal dance education at: SMKI (High School of Performing arts 1976~80), Jakarta Institute of Arts (1980~81), Indonesia Institute of Arts (1981~1986), Folkwang School, Germany (1987).  He received Master of Fine Arts in dance from University Of California Los Angeles (1995). Received International Choreographer Commissioning Program American Dance Festival 2005.